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SOUL QUEST – L’interview 1/2

Quelle est l’origine de ce projet ?

Soul Quest, la quête de l’âme, est un projet qui synthétise les différents aspects de mes 14 années de photographie et de travail artistique. Chaque secteur de mon travail y contribue: mon travail “Bodyworks” m’a permis de travailler la composition, l’usage des couleurs et de la lumière construite en studio, mon travail portrait a ensuite mis un visage sur ces corps que j’ai pris en photo durant 10 ans. Mon projet “Regards de Stars” a mis en face de mon objectif plus de 150 célébrités du cinéma, de la musique ou de l’écriture. Mon travail de reportage artistique m’a quant à lui appris à improviser et à travailler mon regard dans des cadres différents, en adaptation à des lumières constamment changeantes et à un rythme soutenu qui encourage plus de spontanéité.

J’ai commençé mon travail photo sur le corps et la forme, je m’intéresse maintenant au tréfonds de l’âme pour aller y capter ce qui y sommeille.

Au fil de ma démarche, j’ai eu l’occasion de voir comment le travail d’image nous ammène à l’image de soi, et le mouvement intérieur qui en découle.

Se faire prendre en photo est un exercice qui n’est pas toujours comfortable et cela nous ramène souvent à tous les a prioris que l’on a sur soi-même. En psychologie, on appelle cela des distorsions cognitives. Nous ne nous perçevons pas comme nous sommes réellement.

J’encourage donc souvent le modèle à abandonner sa propre perception de lui-même (en tous cas durant la séance) pour essayer de se mettre à la place de celui qui verra son portrait.

En effet, le regard du photographe est souvent plus “juste” que celui du modèle car il est extérieur et plus neutre.

Beaucoup de mes clients attendent donc de moi que je les conseille sur ces différents aspects de l’image et que je les aide à faire ressortir leur essence, leur charisme, les choses qu’ils ont d’unique et qu’ils souhaitent mettre en avant.

L’art du portrait peut devenir une démarche thérapeutique, une invitation à se voir différemment. Souvent avec bien plus de justesse.

Il s’agit donc d’une lente démarche d’apprivoisement entre le modèle et le photographe mais aussi et surtout entre le modèle et sa représentation de lui-même, ses mémoires et ses croyances.

Qu’entendez-vous par âme ?

J’ai toujours été fasciné par le tempérament et la force que diffusent certaines personnes. Je me souviens m’être souvent interrogé à ce sujet lorsque j’étais adolescent et que je sentais en moi une volonté qui me poussait à aller dans une certaine direction. Je ne comprenais pas la nature de cette force mais je ne pouvais l’ignorer. Côtoyer l’innocence des enfants m’a amené à la même conclusion: qu’il y a quelque chose d’inné qui nous met en mouvement. Ainsi donc, deux enfants d’une même famille ont beau recevoir la même éducation, ils n’en sont pas moins différents.

Durant mes séances photos, j’ai pu observer comment des personnes peuvent entrer dans un processus de curiosité vis-à-vis d’eux même, voire parfois dans une quête de soi.

L’outil photographique leur permet de se voir différemment.

Au fil de mon parcours et de mes passions, j’ai ainsi fait l’expérience d’une forme d’identité supérieure que nous possédons et qui peut nous guider dans nos choix, une part de nous qui est plus vaste que notre personnalité ici-bas. Tout mon travail photo est basé sur cette recherche ou en subit les influences.

Mes clients font appel à moi pour se représenter ou pour immortaliser des moments importants de leur vie, observer et traduire en image le perceptible et, quelques fois, l’imperceptible.

Dans ce projet, on ne distingue pas souvent le visage de la personne, pourquoi ?

Dans mon travail artistique, j’ai toujours voulu mettre en image l’universel.

Lorsque l’on identifie clairement le sujet d’une image, le mental du spectateur intervient et interrompt tout le potentiel d’imaginaire.

J’ai eu l’occasion d’observer à maintes reprises le travail de mon inconscient dans le processus de la création d’image. La photographie est un art très spontané qui le permet assez facilement.

Comme l’écriture automatique, le fait de travailler dans la vitesse, sans pouvoir réfléchir, me permet de créer comme un musicien qui partirait en improvisation. D’une certaine manière, le créateur est là sans être là. Il est présent et le processus se fait au travers de lui. Quelque chose de plus vaste peut ainsi s’exprimer. Certains appelleront cela l’inspiration mais il y a aussi beaucoup d’autres manières de nommer cela suivant la perspective que l’on choisit.

— Fin de la première partie. —

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SOUL QUEST – L’interview 2/2

Vos photos ressemblent très fort à des peintures, c’est voulu ?

Tout à fait. Cela rejoint en quelque sorte la notion d’universalité ou plutôt d’intemporalité. J’aime la beauté qui dure, celle qui n’est pas liée à des effets de mode. Pour moi, c’est le temps qui acte une oeuvre d’art réussie. Quand le marketing, les effets de mode et le battage médiatique cesse, que reste t’il ?

J’aime beaucoup les photographes pictorialistes. Léonard Missone (1870-1943) est un de mes préférés. Il fait un travail de lumière magnifique et ses photos sont comme des peintures qui traversent le temps avec beaucoup de grâce. J’avais d’ailleurs retouché le premier jet de ce projet avec une retouche similaire pour lui rendre hommage.

Ce mouvement pictorialiste utilise la photographie pour créer une image plutôt que l’utiliser de manière purement documentaire. On ne s’étonnera donc pas d’y trouver des photos très travaillées tant dans la composition que dans l’usage de la lumière. C’est pour cela que cela peut faire penser à des tableaux composés.

Quelles sont vos influences ?

Mon père étant antiquaire, depuis tout petit j’ai été entouré par des créations qui avaient un style et une âme. On m’a inculqué le goût du travail bien fait et de l’artisanat. J’ai d’ailleurs appris la menuiserie durant mes études secondaires et ai ensuite travaillé avec mon père dans la restauration de meubles anciens durant quelques années. J’ai ensuite décidé de quitter mon Ardennes natale pour aller me former à l’Université Libre de Bruxelles. Après une candidature en journalisme, j’ai étudié ensuite l’analyse et l’écriture de scénario. Toutes ces disciplines, et d’autres de mes passions sont à la genèse de ce projet.

Première influence donc, l’Art Ancien dont bien évidement la peinture avec les maîtres du “Chiaroscuro” comme Caravaggio. J’adore le mouvement romantique et le peintre allemand Kaspard David Friedrich est un de mes préférés pour la mystique et la nostalgie qu’il met en image. La liste des peintres que j’aime est longue mais vous pourrez voir dans Soul Quest des clins d’oeil à John Constable ou encore la peinture flamande avec la symbolique de la fenêtre.

Mes sources d’inspiration contemporaines sont le cinéma et les grands directeurs photo font pour moi partie des nouveaux maitres de l’image. Derrière chaque grand réalisateur se trouve un de ces magiciens de la lumière: Terrence Malick est accompagné d’un Emmanuel Lubezki, Paolo Sorrentino n’aurait pas fait son opéra visuel “La Grande Bellezza” sans son accolyte Luca Bigazzi, Bernardo Bertolucci illumine ses films avec le talent de Vittorio Storaro,…

Ma culture visuelle quotidienne est principalement cinématographique mais je suis toujours surpris de voir comment la peinture classique et sa composition forte reviennent constamment quand je passe en mode photo.

La musique m’accompagne souvent dans mon processus créatif car elle m’inspire une dimension supplémentaire dans la construction de mes atmosphères. Pour Soul Quest je me suis imprégné de musique minimaliste. Ce n’est pas un hasard si les mélodies lancinantes et mélancoliques de Max Richter, la caresse de la trompette d’Ibrahim Malouf ou les motifs musicaux de Yann Tiersen accompagnent tellement de moments de cinéma.

Bien plus que les notes, c’est dans l’art du silence que la maîtrise se démontre.

C’est pour cette raison que la musique minimaliste peut être si inspirante. Dans tous les cas mon âme est nostalgique et elle aime voyager accompagnée de musique. Et il en est de même pour mon processus de post-prodution (le travail de l’image dans mon atelier digital).

D’un point de vue artistique, est-ce qu’une photo a pour vous autant de valeur que la peinture ?

La photographie est un média reproductible à l’infini. A ce titre, si elle veut entrer dans le domaine des oeuvres d’art, il est crucial de faire des séries numérotées et limitées. D’un point de vue technique, il n’y a pas de raison de comparer des formes de créations différentes.

Au delà de l’outil utilisé, le plus important à mon sens reste de travailler sa propre perception, son regard et la vision que l’on met en oeuvre, son style propre. La richesse de représentation sera finalement le reflet extérieur de notre perception intérieure. L’artiste insuffle sa propre sensibilité et son énergie dans son oeuvre.

C’est cette énergie qui va inspirer le public bien plus que la mise en oeuvre technique.

Chez tous les artistes, on assiste tout d’abord à un travail de la complexité et du spectaculaire pour -peut-être- ensuite revenir à une simplicité maitrisée et nourrie de tout le travail accompli.

Vous parlez beaucoup d’énergie et des choses immatérielles dans ce projet , c’est important pour vous ?

Crucial. En effet, pour moi l’inspiration est une écoute. Comment s’ouvrir à la beauté et à la grâce de ce qui nous entoure si nous n’y sommes pas disponibles ?

Il y a une phrase qui dit “Dieu est chuchotement”, pour moi l’inspiration c’est perçevoir et écouter ce chuchotement.

Vous pourrez remplacer le terme Dieu par un autre, la beauté, l’amour, l’univers… C’est la même chose pour moi. Le contact de la transcendance est prière, méditation et création. Quand les gens sont dans le flux, ils s’oublient et entrent dans un processus d’écoute qui les rend disponible à quelque chose de plus grand qui peut alors s’exprimer.

L’artiste dans sa maturité se décentre de lui-même pour s’ouvrir et exprimer quelque chose de plus vaste, son art devient spiritualité.